Rosalía, la aclamada cantante y compositora española, ha cautivado al mundo con su talento musical único y su estilo visual impactante. Sus videoclips no solo son una expresión artística de su música, sino que también se convierten en una ventana a su fascinación por el mundo del arte.

Con referencias ingeniosas y cuidadosamente seleccionadas, Rosalía logra fusionar su música con elementos visuales que rinden homenaje a diversos movimientos artísticos y artistas reconocidos.

En este artículo, exploraremos las múltiples capas de las referencias al mundo del arte en los videoclips de Rosalía, destacando cómo su visión creativa trasciende los límites de la música y se convierte en una experiencia visual única.

Descubre aquí las referencias al mundo del arte en los videoclips de Rosalía

A continuación, te mostramos 10 de todas las referencias al mundo del arte que se pueden encontrar en los videoclips de Rosalía y que seguro que te interesa conocer.

Portada Motomami (2022)

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La portada del disco «Motomami» de Rosalía, lanzado en 2022, es un verdadero reflejo de la estética y la personalidad de la artista. Con una imagen impactante y audaz, Rosalía nos sumerge en su mundo visualmente cautivador. En la portada, podemos ver a Rosalía en primer plano, con su característica actitud desafiante y su estilo único.

La imagen está llena de simbolismo y detalles visuales que capturan la esencia de la música y la identidad artística de Rosalía. Es una portada que no solo llama la atención, sino que también invita al espectador a adentrarse en el universo creativo de la talentosa artista española.

En un ingenioso guiño a la historia del arte, Rosalía incorpora elementos visuales en la portada de «Motomami» que hacen referencia al icónico cuadro «El Nacimiento de Venus» de Sandro Botticelli. Aunque con una estética contemporánea y desafiante, Rosalía logra evocar el pudor y la feminidad representados en la diosa de la belleza y la fertilidad.

Con una mano sobre su pecho y otra sobre su pubis, la cantante crea una conexión sutil pero poderosa con la obra maestra de Botticelli, fusionando así su propia identidad artística con la tradición clásica y trascendiendo las barreras entre diferentes épocas y disciplinas creativas.

Referencia 1: El Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli

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«El Nacimiento de Venus» es una obra maestra pintada por el artista renacentista italiano Sandro Botticelli en el siglo XV. El cuadro, que actualmente se encuentra en la Galería Uffizi en Florencia, Italia, representa a Venus, la diosa romana del amor y la belleza, emergiendo del mar sobre una concha.

Con una composición armoniosa, colores suaves y detalles exquisitos, Botticelli logra capturar la gracia y la serenidad de la figura femenina en un entorno mitológico. Esta pintura icónica ha perdurado a lo largo de los siglos como un símbolo de la belleza clásica y el renacimiento artístico.

Chicken Teriyaki (video clip, 2022)

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El videoclip de «Chicken Teriyaki» de Rosalía, lanzado en 2022, es una muestra más del enfoque visualmente cautivador y creativo de la artista. Con una estética vibrante y una coreografía dinámica, Rosalía nos sumerge en un mundo lleno de energía y expresión. El vídeo resalta la presencia magnética de Rosalía, quien se apodera de la pantalla con su carisma y su estilo único.

A través de la combinación de movimientos de baile impactantes y elementos visuales sorprendentes, el videoclip de «Chicken Teriyaki» es un testimonio del talento multifacético de Rosalía y su capacidad para ofrecer experiencias visuales memorables que complementan su música de manera excepcional.

Previo al lanzamiento de «Motomami», Rosalía utilizó su cuenta de Twitter @holamotomami para compartir diversas referencias artísticas que inspiraron su trabajo. Entre las imágenes compartidas se encontraba una representación de la obra «Arroz con Pollo» de Jean Michel Basquiat.

Aunque en ese momento resultaba enigmático cómo Rosalía integraría estas influencias, ahora es evidente que la paleta de colores de Basquiat también se refleja en el vibrante videoclip de «Chicken Teriyaki». Esta conexión entre la expresividad de Basquiat y el estilo audaz de Rosalía demuestra su habilidad para fusionar diferentes influencias y crear una experiencia artística única y sorprendente.

Referencia 2: Arroz con pollo de Jean Michel Basquiat

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«Arroz con pollo» es una conocida obra del influyente artista estadounidense Jean-Michel Basquiat. Pintada en 1981, esta pieza exhibe el estilo característico de Basquiat, que fusiona elementos del arte callejero, la cultura pop y la expresión gestual. El cuadro presenta una composición audaz y caótica, con trazos enérgicos y colores vibrantes que se entrelazan con imágenes y palabras crípticas.

A través de esta obra, Basquiat aborda temas como la identidad racial, la desigualdad social y la crítica al consumismo. «Arroz con pollo» es un ejemplo icónico del arte de Basquiat y su contribución al movimiento del arte contemporáneo.

La noche de anoche (2020)

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«La Noche de Anoche», lanzada en 2022, es una colaboración musical que destacó por la poderosa combinación de Rosalía y Bad Bunny. En esta cautivadora canción, Rosalía muestra su versatilidad vocal y su capacidad para transmitir emociones intensas.

El tema, con una fusión de ritmos contemporáneos y elementos flamencos, encapsula la pasión y la intensidad que caracterizan el estilo único de Rosalía. Su interpretación en «La Noche de Anoche» es una prueba más de por qué es considerada una de las artistas más innovadoras y talentosas de la actualidad, cautivando a su audiencia con cada una de sus colaboraciones destacadas.

En un ejemplo más de su enfoque artístico innovador, Rosalía nos sorprende con referencias a la obra «Arquitectura a la luz de la luna» de René Magritte en su último éxito. Aunque el género musical difiere de lo clásico, Rosalía logra establecer una conexión entre su universo creativo y la colaboración con Bad Bunny a través de influencias culturales europeas.

Además, algunos expertos han detectado sutiles guiños a la obra de Giorgio de Chirico en los paisajes y la paleta de colores presentes en el escenario donde los protagonistas viven un romance apasionado. Este ingenioso juego de referencias artísticas demuestra la habilidad de Rosalía para fusionar distintas influencias y crear una experiencia única y cautivadora para sus seguidores.

Referencia 3: Arquitectura a la luz de la luna de René Magritte (1956)

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«Arquitectura a la luz de la luna» es una pintura surrealista creada por el famoso artista belga René Magritte en 1956. Esta obra maestra presenta una escena enigmática y onírica, característica del estilo distintivo de Magritte.

En el cuadro, vemos una calle oscura y desierta iluminada por la luz de una luna llena, mientras una serie de enormes rocas flotan en el cielo nocturno, desafiando la lógica y la percepción convencional.

El contraste entre lo real y lo fantástico, la naturaleza evocadora y la técnica magistral de Magritte, hacen de «Arquitectura a la luz de la luna» una pieza fascinante que invita a la reflexión y el cuestionamiento de la realidad.

A palé (2019)

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«A Palé» es una canción lanzada por Rosalía en 2019 que muestra su capacidad para fusionar estilos musicales y crear un sonido único y vanguardista. En esta cautivadora pieza, Rosalía nos transporta a su mundo con su voz poderosa y emotiva, combinada con una producción innovadora.

La canción destaca por su energía y ritmo hipnótico, que nos sumerge en la estética visual y sonora característica de Rosalía. Con «A Palé», Rosalía demuestra una vez más su talento como artista versátil y su habilidad para romper barreras musicales y cautivar al público con su propuesta audaz y singular.

En este videoclip, Rosalía se aventura con dos referencias fácilmente de identificar, ya que utiliza elementos que al verlos te hagan pensar inmediatamente en estas referencias, si conoces previamente las dos obras a las que se refiere.

En primer lugar, hace referencia al cuadro «La Duquesa de Alba de Blanco» de Francisco de Goya y se puede distinguir sin ningún problema, ya que utiliza un vestido blanco con un lazo rojo en la cintura, elemento principal y muy destacable de esta obra.

En segundo lugar, Rosalía no podía no hacer una referencia a la famosa Frida Kahlo. En este caso, podemos apreciar la referencia al autorretrato con el pelo suelto de Frida Kahlo, donde se destaca su seriedad y sus tan famosas cejas unidas. Estos elementos junto al encuadre de la imagen, son los que utilizan Rosalía para hacer honor a Frida Kahlo.

Referencia 4: La Duquesa de Alba de blanco de Francisco de Goya

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«La Duquesa de Alba de blanco» es un retrato icónico realizado por el renombrado pintor español Francisco de Goya. Pintado en 1795, este cuadro captura la figura de María del Pilar Teresa Cayetana de Silva-Álvarez de Toledo, conocida como la Duquesa de Alba. El retrato destaca por su composición elegante y el uso magistral de la luz y el color.

La Duquesa, vestida de blanco con un aire de misterio y melancolía, se convierte en el centro de atención con su mirada penetrante y su actitud segura. Esta obra ha suscitado numerosas interpretaciones y debates en torno a la identidad y el carácter de la Duquesa, convirtiéndose en uno de los retratos más reconocidos de Goya y una pieza clave de la historia del arte español.

Referencia 5: Autorretrato con el pelo suelto de Frida Kahlo (1947)

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«El Autorretrato con el pelo suelto» es una obra emblemática de la reconocida pintora mexicana Frida Kahlo, creada en 1947. En este autorretrato, Kahlo nos muestra su rostro de frente, con su característico estilo de cejas gruesas y pelo oscuro suelto. La pintura es un reflejo íntimo de la artista, quien utiliza colores vibrantes y detalles minuciosos para expresar su singularidad y personalidad audaz.

Además, el hecho de que Kahlo se represente con el pelo suelto, en lugar de su tradicional trenza, es interpretado por algunos expertos como un símbolo de liberación y autonomía. Este autorretrato captura la esencia y la fuerza emocional que caracterizan el arte de Frida Kahlo, convirtiéndose en una de las imágenes más icónicas y significativas de su carrera.

Yo X Ti Tu X Mí (2019)

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«Yo X Ti, Tu X Mí» es una colaboración explosiva entre Rosalía y Ozuna, lanzada en 2019. En esta canción, Rosalía y Ozuna combinan sus estilos únicos para crear una fusión de ritmos contagiosos y letras provocativas. La voz seductora de Rosalía y la versatilidad de Ozuna se entrelazan de manera magistral, generando una energía vibrante que cautiva al oyente desde el primer momento.

Con «Yo X Ti, Tu X Mí», Rosalía demuestra una vez más su capacidad para trascender géneros y fronteras musicales, dejando su huella distintiva en la industria y consolidándose como una de las artistas más destacadas de la escena actual.

En el impactante videoclip en colaboración con Osuna, Rosalía nos sorprende una vez más con su ingenio al hacer referencia a la obra «Arquitectura a la luz de la luna» de René Magritte. En una escena cautivadora, bailarines vestidos de azul giran en una ronda alrededor de la cantante, evocando una coreografía reminiscente de la pintura «La danza» de Matisse.

Esta doble cita artística, que también se conecta con los «Desnudos Azules» de Matisse, demuestra la habilidad de Rosalía para fusionar influencias visuales y crear una experiencia estética única y memorable para sus seguidores.

Referencia 6: La danza y Desnudos azules, de Henri Matisse (1910 y 1952)

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La Danza de Henri Matisse

«La Danza» es una obra maestra del reconocido artista francés Henri Matisse, pintada en 1910. Este cuadro icónico presenta una escena vibrante y llena de movimiento, donde figuras humanas entrelazadas danzan con alegría y energía. Matisse utiliza colores vivos y contrastantes para representar el espíritu de la danza, creando una composición dinámica y llena de vitalidad.

El estilo audaz y expresivo de Matisse en «La Danza» rompe con las convenciones artísticas tradicionales de la época y muestra su habilidad para capturar la emoción y la esencia del movimiento en el lienzo. Esta obra ha sido aclamada como una celebración de la vida y la libertad, y se ha convertido en un ícono del arte moderno.

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Desnudos Azules de Henri Matisse

«Desnudos Azules» es una obra destacada del reconocido artista francés Henri Matisse, creada en 1952 durante los últimos años de su carrera. En esta pintura, Matisse utiliza formas simples y líneas fluidas para representar la figura humana en una composición abstracta.

Los tonos de azul dominantes en la obra añaden una sensación de serenidad y calma al conjunto. Matisse logra transmitir una sensación de armonía y equilibrio a través de la disposición de las formas y el uso del color. «Desnudos Azules» es un ejemplo impresionante de la habilidad de Matisse para capturar la esencia de la figura humana con una simplificación y una estética única.

El Mal Querer (2018)

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«El Mal Querer» es el aclamado álbum de estudio de Rosalía, lanzado en 2018. Este álbum se presenta como una narrativa dividida en 11 capítulos que cuenta una historia de amor y desamor. Lo que destaca aún más es la visión artística de Rosalía, ya que ella misma creó las representaciones visuales de estos capítulos en colaboración con el talentoso artista Filip Custic.

A través de un estilo visualmente impactante y cuidadosamente elaborado, Rosalía y Custic lograron complementar y enriquecer la experiencia musical de «El Mal Querer», sumergiendo a los espectadores en un mundo estético y emocionalmente cautivador.

Referencia 7: Capítulo 2: Boda – Que no salga la luna | Las dos Fridas de Frida Kahlo (1939)

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«Las dos Fridas» es una obra icónica de la famosa pintora mexicana Frida Kahlo, creada en 1939. En esta pintura, Kahlo presenta dos autorretratos de sí misma, uno vestido con un traje tradicional mexicano y el otro con un vestido blanco de estilo europeo. Ambas figuras están conectadas por una vena que sale del corazón de Frida vestida con el traje tradicional y se conecta con el corazón de la otra Frida.

Esta obra simboliza la dualidad y el conflicto interno que Frida experimentó a lo largo de su vida, entre su identidad mexicana y su conexión con el mundo occidental. «Las dos Fridas» es un poderoso autorretrato que revela la complejidad emocional y el autodescubrimiento de la artista, convirtiéndose en un símbolo duradero de su legado y su lucha personal.

Referencia 8: Capítulo 4: Disputa – Tú de aquí no sales | Ofelia de John Everett Millais (1851)

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«Ofelia» es una icónica obra del pintor británico John Everett Millais, creada en 1851. Basada en el personaje de Ofelia de la obra de William Shakespeare, Hamlet, esta pintura captura el trágico momento en el que Ofelia se sumerge en un río y se ahoga. Millais utiliza una exquisita atención al detalle para representar la escena, desde las flores flotantes hasta la expresión serena en el rostro de Ofelia.

La pintura transmite una sensación de serenidad y melancolía, y ha sido elogiada por su belleza poética y su representación emocionalmente impactante de la fragilidad humana. «Ofelia» es considerada una de las obras más destacadas del movimiento prerrafaelita y ha dejado una huella duradera en la historia del arte.

Referencia 9: Capítulo 6: Preso | Naranjas y limones de Julio Romero de Torres (1927)

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«Naranjas y limones» es una obra emblemática del pintor español Julio Romero de Torres, realizada en 1927. En esta pintura, se representa un bodegón que muestra una composición cuidadosamente dispuesta de naranjas y limones. La obra se caracteriza por la intensidad de los colores y la habilidad del artista para capturar la textura y la luminosidad de las frutas.

Romero de Torres logra transmitir una sensación de vitalidad y frescura a través de su meticuloso manejo de la luz y el detalle. «Naranjas y limones» es un ejemplo destacado del talento y la maestría de Romero de Torres para representar la belleza de la naturaleza en sus obras, dejando una impresión duradera en el espectador.

Referencia 10: Capítulo 8: El éxtasis. Di mi nombre | La maja vestida de Francisco Goya (1800 – 1808)

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«La maja vestida» es una famosa pintura realizada por el renombrado artista español Francisco de Goya entre 1800 y 1808. Esta obra retrata a una mujer desnuda que mira directamente al espectador mientras está vestida con un atuendo típico de la época. La pintura se distingue por su enfoque en la sensualidad y la belleza femenina, así como por su notable realismo y detalle.

Goya captura la suavidad de la piel, los pliegues de la ropa y los sutiles matices de color con gran maestría. «La maja vestida» ha sido objeto de debate y controversia a lo largo de los años debido a su naturaleza provocativa y audaz para la época. La pintura es un testimonio del talento y la visión innovadora de Goya, así como de su contribución al arte de la época.

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